'God save Stanley'

Señores del tribunal, hay ocasiones en las que me avergüenzo de ser un miembro de la raza humana, y ésta es una de ellas

Coronel Dax (Kirk Douglas), Senderos de gloria

Hoy hace diez años, Stanley Kubrick fallecía de un infarto mientras dormía. Con la marcha del cineasta británico, el séptimo arte perdía uno de los mayores genios de su historia moderna. Con una reputación sólo a la altura de la leyendas que se escribieron acerca de su tempestuoso carácter, Kubrick dosificó su inmenso talento, con 15 obras en 50 años de carrera. Meticuloso hasta el extremo, manipulador emocional de sus actores y de una introversión personal rayando en el síndrome de Diógenes, el director inglés se valió de la estilización, del juego simbólico y de su virtuosismo técnico y visual para colorear una filmografía que, por dentro, siempre contuvo un poderoso grito de alerta contra la deshumanización. Ninguneado por la academia de Hollywood –quizá él y Hitchcock sean los casos más flagrantes de genios sin un Oscar–, la huella de Stanley Kubrick es imperecedera.

No es coincidencia su brillantez como jugador de ajedrez, un talento que le permitió financiar parte de sus películas inicales. El perfeccionamiento y la precisión fotográfica fueron dos de sus constantes profesionales. Tras los esporádicos ramalazos de poderío visual que impregnaban los fotogramas en blanco y negro de El beso del asesino, la leyenda de Kubrick arrancó de verdad con Atraco perfecto, una espléndida máquina de precisión que recitaba de carrerilla los códigos de hierro del género negro, y en la que ya estaba presenta la figura fatalista del antihéroe que lo intenta, pero que no triunfa. El filme es el primero de un decálogo de obras maestras (o casi), que encadenaría el director hasta la entrega de Eyes wide shut, su trabajo póstumo.

“Las grandes naciones han actuado siempre como gánsteres, y las pequeñas como prostitutas”

Esta lista de 10 Mandamientos Fílmicos contiene el mejor estudio de los mecanismos del proceder humano representados en 35 milímteros. Acusado por algunos críticos de una frialdad excesiva en su mirada como director, es precisamente esa narrativa distante del personaje, cuasi espiritual, que no toma partido por nadie y despojada de cualquier concesión, lo que ha hecho atemporal las imágenes de su cine. Antes de que Coppola nos embarcase en el viaje al corazón de las tinieblas de Vietnan, Kubrick ofreció el alegato antibelicista más contundente en Senderos de gloria. El retrato de la infamia moral de la clase militar, unos generales que seguían la guerra en sus palacetes, mientras mandaban a la muerte segura a millones de hombres en las trincheras de la I Guerra Mundial, fue tan brutal que la película estuvo prohibida en Francia durante décadas.

Kirk Douglas fue quien impuso a Kubrick como director, y pese a los constantes encontronazos entre ambos súper egos –con Marlon Brando hubo menos suerte, y el actor echó a Kubrick del rodaje de El rostro impenatrable–, sería de nuevo el inteligente Douglas quien apostase por el director inglés para Espartaco. Es ésta una película total, en la que conviven la aventura, la traición, las listas negras, el enjuague político, el heroísmo desinteresado, la esperanza de un mundo sin clases y, como no podía ser de otra forma, el fracaso individual y humano, presa del juego de ajedrez de los poderosos. Esa llama de decencia que pervivía en Senderos de gloria o Espartaco, a través de la figura de Kirk Douglas, se fue apagando sin remedio en la posterior filmografía del cineasta británico.

La adaptación de la magistral Lolita, pasando a través de la censura, convenciendo al propio Nabokov para firmar el guión y teniendo que tragar con las exigencias del estudio, colocando a Sue Lyon para interpretar a una preadolescente, fue su siguiente ejemplo de pulso cinematográfico. Kubrick se alejó un poco de la lujuriosa motivación del protagonista de la novela y le dio la coartada del amor, pero el viaje no lineal de James Mason hacia la corrupción moral no pierde su fuerza en la pantalla. Peter Sellers, que interpreta al inquietante Clare Quillty, una suerte de conciencia oscura de Humbert Humbert, repetiría después en ¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú, su segundo capítulo de radiografía de las mentiras de la guerra.

“¡Mein Führer, I can walk!”

¿Qué mejor forma de hablar de la sinrazón de la guerra fría y de sus esperpénticas doctrinas de la destrucción mutua asegurada que tomando la forma de la comedia negra?, ¿qué utilizar el gag hilarante y la ironía sexual para desnudar el cataclismo intelectual de aquella época? El filme se resume en su fantástico monólogo final, cuyo autor es el doctor Strangelove (Peter Sellers), ex nazi reconvertido a consejero mayor en asuntos nucleares del presidente estadounidense –el propio Sellers, en una caracterización no indisimulada de Harry Truman, ominoso responsable del lanzamiento de las bombas atómicas sobre Japón–. Mientras lucha contra su brazo derecho, ansioso por levantarse para hacer el saludo nacionalsocialista, Strangelove ofrece su diabólica pero lógica visión sobre la organización social tras el apocalipsis nuclear, que sería espejo de la sociedad hitleriana, con una raza dirigente de elegidos, rodeados de hembras altamente capacitadas sexualmente para la procreación. Un razonamiento desternillante y oscuro, que concluye con el (supuestamente) minusválido doctor, poniéndose en pie al grito de: ¡Mein Führer, I can walk!, al que le sigue las imágenes documentales del hongo atómico.

“Una película es (o debería ser) como la música. Debe ser una progresión de ánimos y sentimientos. El tema viene detrás de la emoción, el sentido, después”

Tras la incursión en el humor negro, luego vendría la obra cumbre de la ciencia ficción, 2001: una odisea del espacio, basada en un relato corto de Arthur C Clarke. Innovadora por completo y a la vanguardia de la técnica, la película se abría con la mayor elipsis que el cine recuerda: bajo los primeros acordes de Así habló Zaratrusta, de Strauss, unos monos juegan… al poco, la presencia de un monolito y, de pronto, la violencia que surge, la bronca animal que se torna en asfixiante… y que culmina con el hueso lanzado al cielo, que encadena con la nave espacial en la galaxia. Dos mil millones de años de salto en el tiempo. Difícilmente una escena tuvo nunca tal poder evocador, y pocas veces (quizá también el nuevo mundo que abrió Ciudadano Kane) una película agitó las bases de un género y adquirió categoría de ensayo existencialista, un camino que luego seguiría Andrei Tarkovski. La búsqueda del sentido de la vida, a través del viaje de la nave Discovery por el sistema solar, le sirvió a Kubrick para hablar de la soledad, la evolución, la muerta, la inmortalidad… y hasta adelantar la inteligencia artificial y sus límites morales: la muerte de la súper computadora HAL9000 es uno de los pocos momentos conmovedores, a nivel emocional primario, de su filmografía.

“Hay algo en la personalidad humana que se resiente a las cosas claras, e inversamente, algo que atrae a los rompecabezas, a los enigmas, y a las alegorías”

Pasada la odisea espacial, el director inglés se aprestó a dirigir un puñetazo atronador a la decadencia de la sociedad occidental, poniendo también de moda el uso de la cámara en mano. La naranja mecánica dio sentido al término del nihilismo y de nuevo ofreció una majestuosa combinación de la música (electrónica, Beethoven, Pink Floyd…). La historia del ultraviolento Alex (Malcom McDowell) y su pandilla de Drugos bestiales provocó un incendiario debate y la condena de buena parte de los medios, que acusaron al director de apología de la violencia. Nada más lejos de la realidad. La naranja mecánica anticipaba la insatisfacción juvenil de una sociedad esclerotizada y, en realidad, la brutalidad de un chaval perdido era superada por un estado abobinable, capaz de recurrir a la lobotomía para volver a meter a las ovejas en el rebaño. Y es que para entonces, el pesimismo existencial de Kubrick era ya irremediable.

“Siempre he disfrutado de hacer frente a una situación un poco surrealista y presentarla de manera realista. Siempre me ha gustado los cuentos de hadas y mitos, historias mágicas”

Así lo demostró en sus siguientes películas. El arribismo social alcanzó categoría de maravilla visual con Barry Lyndon, un filme-pintura, una cadena de puestas en escena tan precisas como hermosas, acompañadas de la prodigiosa música de Schubert o Mozart. La ascensión y caída de Ryan O’Neall en la Inglaterra del siglo XVIII es una certera radiografía de las repercusiones de la codicia humana, que desemboca en una decadencia inevitable. El resplandor, otro filme que ha ido creciendo con los años, adoptaba la cáscara de película con piscópata para alertar del aislamiento humano y de los monstruos que él puede crear. En el camino, además, el maestro Stanley volvió a dejarnos algunas escenas de tal dimensión inquietante que no hay cinéfilo que no las recuerde: el niño paseando con el triciclo por la casa o el rostro enajenado de Nicholson, rompiendo la puerta con el hacha…

“La pantalla es un medio mágico. Tiene tal poder que puede mantener el interés, ya que transmite emociones y estados de ánimo que ninguna otra forma de arte puede transmitir”

Por último, Kubrick cerró su trilogía antibelicista con La chaqueta metálica, otro relato descarnado de la brutalidad de la guerra y los métodos militares para lavar el cerebro a los jóvenes. La sarta de improperios y diatribas del sargento (el actor Lee Ermy, a la sazón ex sargento del Ejército británico) hacia sus asustados soldados es la capa de aparente hilaridad de la que Kubrick se sirve para contar el proceso de deshumanización del recluta, el método perfecto para luego poder manejarlo a su antojo y convertirlo en una máquina de matar. Este cine de varios niveles contextuales de Kubrick tuvo su último ejemplo en Eyes wide shut, el recorrido frustrado de un burgués neoyorkino en busca del adulterio. Un filme que profundiza en la fugacidad de la estabilidad sentimental, a través de la imposibilidad del macho de igualar las fantasías femeninas, de la cobardía del hombre, convertido en permanente perseguidor de una supuesta felicidad que no puede alcanzar.

Kubrick murió sin ver estrenada Eyes wide shut, y a buen seguro que su obsesión por el perfeccionismo le hubiese torcido la expresión en alguna escena, filmada quizá no del todo como él pretendía. Esté donde esté, transitando por el aire de la campiña inglesa, en la que se recluyó en sus últimos quince años, o escudriñando personajes en el limbo para su próximo proyecto, desde aquí le decimos con humildad al ateo director: "Dios salve a Stanley". Siempre nos quedará tu fabuloso decálogo de obras maestras.

¡Mi primo Jaume de la Caixa...!

Hay tipos que, cuando se esfuman de la vida, aunque uno no los conozca, siente un pequeño agujero. Espíritus libre pensadores que patean el convencionalismo y hacen una bola de papel con lo políticamente correcto. Genios de profundo sentido del humor que saben reírse de sí mismos y, de paso, de la pacata y anestesiada sociedad en la que les ha tocado vivir. Uno de estos personajes era para mí –y seguirá siendo– el gran Pepe Rubianes. Actor y director de teatro, Rubianes falleció ayer 1 de marzo de un cáncer de pulmón que, desde 2008, le mantenía alejado de los escenarios.

Desconozco el valor del hilarante Rubianes como mimo e imitador, géneros que también cultivó. Me bastó con ver un par de actuaciones grabadas en vídeo de uno de sus espectáculos más famosos: Rubianes solamente. Su lengua desatada, su vitriólico humor, dirigido a la concepción consumista de la vida, su cachonda crítica a los vividores borbones y sus monólogos trufados de tacos siempre me producen la carcajada instantánea. Uno de mis mantras cuando me atrapa la pereza en el metro, camino del curro, es rememomar las parodias destermillantes de Rubianes repecto a la supuesta realización personal que trae consigo el trabajo o al síndrome de "quiero ser propietario" del españolito medio. "Mi amigo Jaume de La Caixa me ha conseguido un crédito a 35 años... (...) Uuuffff (...) ¡Uno lo paga sin enterarse! Y luego, a los 65, ¡a disfrutar la vida! ¡A follar, a beber y a irse de farra!", es uno de mis sketches preferidos.



Curtido a principios de los ochenta en compañías teatrales como Dagoll Dagom o Els Joglars, el cómico gallego-catalán se hizo famoso en los noventa por su estupenda interpretación en la serie Makinavaja. Recientememnte, el humor a tumba abierta de Rubianes, casi siempre impregnado de una fuerte crítica a la pulsión burguesa de la sociedad española, embarcada en un modo de vida profundamente conservador, le hizo ser víctima de una caza de brujas de los nuevos poderes fácticos de Salem. Durante una entrevista en enero de 2006 en el programa El Club, de TV3, y en plena tormenta de la negociación del Gobierno socialista con ETA, Rubianes dio rienda suelta a su hartazgo con la campaña de la derecha más rancia: "A mí, la unidad de España me suda la polla por delante y por detrás, que se metan a España en el puto culo, a ver si les explota dentro y les quedan los huevos colgando del campanario".



Como era de prever, la jauría mediática de a la derecha y numerosos Gobiernos autonómicos del PP pusieron el grito en el cielo, y poco menos que se pidió el destierro para alguien capaz de semejante ultraje a la dignidad de la patria. Cualquier persona con dos dedos de frente hubiese entendido que su burla iba dirigida a esa concepción de una España católica, grande y libre, que ondea la sacrosanta bandera de la unidad del páis tres veces al día. No era un insulto ni a España ni a los españoles, sino una réplica sarcástica a los que se la pasan con la palabra España en la boca, y expiden certificados de buenos patriotas en clave de afinidad ideológica.

Rubianes tan pronto se podia "cagar" en esa España cavernícola como en el onanismo mental igualmente reaccionario del nacionalismo catalán. Pero esos fundamentalistas que han secuestrado hace tiempo el concepto de nación, y que no toleran el cuestionamiento del Estado monárquico, nacido del franquismo, salieron a la calle con antorchas a pedir la cabeza del actor, y éste tuvo que suspender varias prepresentaciones teatrales.

Ahora que se le dice adiós, no es momento de abundar más en aquella polémica, que él sabiamente evitó alimentar posteriormente. Así que desde aquí le rendimos un humilde homenaje con algunos de sus vídeos, brindando por su humor rojo sin concesiones y por la libertad de poder cagarnos siempre en lo que nos de la gana.

Insert coin

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Viaje a Venus

El prodigio de Internet es que ha multiplicado exponencialmente las posibilidades de acceder a la 'otra’ información. La ignorancia ya no es una opción válida. Hoy día, al poder no le es posible controlar las voces disidentes que hablan de otro mundo en millones de blogs, las películas-daga al corazón del sistema, lanzadas para la red, o los nuevos movimientos sociales de rebelión cívica, que agitan las conciencias aletargadas... Dentro de este ejército pacífico y cada vez menos silencioso se encuendra Zeitgeist: Addendum,* un documental producido con parquedad visual para Internet, escrito y dirigido por el activista Peter Joseph, y estrenado el pasado octubre en los círculos activistas de Estados Unidos.

Con un mensaje que mezcla el anarquismo anti-institucional, la visión holística del Hare-Krisna, de que somos un todo inseparable, y una creencia cuasi fundamentalista en el poder sanador de la tecnología, el filme es una curiosa propuesta en estos tiempos de profundos temblores en la falla del capitalismo. De tanto querer abarcar, el documental desborda la lógica por momentos, y ese fervor hacia la máquina-Dios requiere un acto de fe del espectador bastante alejado de la razón, pero lo que hace muy interresante a la película es su concepción humanista: por encima de una crítica feroz del sistema del libre mercado capitalista y denuncia de sus consecuencias, se trata de una llamada a las conciencias para cambiar radicalmente nuestra escala de valores, nuestra forma de ver la vida y, sobre todo, de relacionarnos con los otros, alejada de cualquier competición. Un renacimiento humano a través de una concepción holística y simbiótica.

Zeitgeist: Addendum, que es la continuación de Zeitgeis, la película (2007), enfocada más a desmontar el sistema de creencias religioso y a cuestionar la autoría de los atentados del 11-S, explica el fracaso del ser humano para resolver asuntos como la guerra, la pobreza o la injusticia social como una consecuencia lógica del modelo que tenemos, basado en sistemas de creencias fraudulentos. La película señala el principal virus que paraliza el avance de la sociedad: la corrupción de los organismos financieros, políticos, las multinacionales corporativas, religiosas. Corrupción en el sentido de que éstas entidades, al menos sus actuales formas de comportamiento, impiden el verdadero desarrollo del potencial humano. Y parte de la base que no se pueden eliminar estos problemas dentro del marco político y económico establecido, pues esto llevaría demasiados años para lograr cualquier cambio mínimamante significativo.

El filme propone posturas de boicoteo al sistema (alguna demasiado pueril como sacar el dinero de un determinado banco, aliado de la Reserva Federal, para meterlo en otro) y acciones individuales para alcanzar una transformación social, a partir de un cambio en nuestra forma de pensar, poniendo el acento en los conceptos de emergencia e interdependencia y un rediseño total de nuestra cultura. Es decir, que nada es inmutable y que todo está en eterno proceso de cambio, que no podemos pensar en mejorar el mundo sin pensar en una solución a nivel global. Que todos estamos conectados, que compartimos un destino común emocional, y que si un tercio del planeta está explotado es imposible que la Humanidad progrese.

El fraude de la máquina de hacer billetes

La primer aparte del documental (ver sitio web del movimiento Zeitgeist) disecciona el perverso y artificial sistema de la economía monetaria, el que rige en Estados Unidos y por ende en el resto del planeta capitalista. La cosa funciona así. El Gobierno pide dinero prestado a la Reserva Federal y ésta da a la maquinita de hacer billetes, a cambio de recibir bonos del Tesoro. Ese dinero prestado que en teoría es del Gobierno se dirige entonces a los bancos comerciales. Pero hete aquí que, por obra y gracia de la libre regulación, el banco sólo está obligado a guardar como reserva el 10% del dinero recibido, así que puede prestar el 90% restante a los clientes bancarios o instituciones. Y como cada banco utiliza la misma fórmula –quedarse el 10% y dar créditos por valor del 90%–, un capital inicial digamos de 100 se "multiplica" por nueve o por diez según vaya pasando de prestatario. Es el sistema llamado "práctica bancaria de reserva fraccionada", que permite la creación de dinero a través de créditos.

A este sistema piramidal se le suma el concepto de intereses, un sin sentido en sí mismo, porque, en realidad, se paga un interés por un paquete de dinero prestado que no existe, que nunca ha sido creado. Por tanto, siempre habrá una escasez inherente de dinero y los intereses jamás podrán ser pagados por completo. La deuda no es una variante de la ecuación, sino principio y final de la estructura. Sin deuda, no hay sistema.

Tras el análisis de esa práctica bancaria de reserva fraccionada, la película aborda los tentáculos geopolíticos del sistema en su segundo capítulo. En él se aborda las manipulaciones y crímenes varios de la CIA, a través de una entrevista con John Perkins, un ex sicario económico (hit man) que denuncia la explotación y neo-colonización de países del tercer mundo por lo que él denomina la "corporatocracia" (multinacionales + bancos + gobierno de EEUU). En su autobiografía Confesiones de un sicario económico, y por cortesía de Wkipedia, Perkins define así a los sicarios económicos:

Profesionales altamente remunerados que le tienden trampas de trillones de dólares a los países del mundo. Sus herramientas de trabajo son reportes financieros fraudulentos, manipulación de elecciones, sobornos, extorsiones, sexo y asesinatos.

En este libro, Perkins confiesa que trabajó para una firma de consultoría internacional para convencer a los países más pobres a aceptar enormes préstamos del Banco Mundial y Fondo Monetario, entre otros, y de asegurarse que todos los proyectos eran contratados con compañías estadounidenses. Una vez que estos países estaban atados con deudas enormes el gobierno estadounidense les “daba una mordida” a manera de solicitud de favores que incluían acceso a los recursos naturales, cooperación militar y apoyo político. Nada que uno no haya imaginado, pero que produce escalofríos escucharlo de boca de uno de esos verdugos neocon.

El nuevo mundo de Jacque Fresco

En su último tercio, Zeitgeist: Addendum sugiere una alternativa viable al capitalismo financiero como solución sostenible para la Humanidad: la de la economía basada en los recursos, que propugna el Proyecto Venus. Esta nueva vía tendría sus cimientos en la óptima asignación a lo largo del tiempo de los recursos naturales, incyuyendo el diseño holístico de ciudades sostenibles, la máxima eficiencia energética, el mejor uso del agua y el sol como fuentes limpias de energía, la automatización avanzada (el 90% de los actuales trabajos ... todo priorizando los beneficios que se crearían para la sociedad.

Como se decía al comienzo de este post, es difícil compartir la visión liberadora de todo mal e injusticia social que, según el proyecto Venus, traería consigo este nuevo mundo de tecnología punta y ciudades en armononioso equilibrio. El hombre ha dado excelentes pruebas a lo largo de la Historia de su incapacidad para asumir los conceptos de "civilizado" y "ayuda desinteresada". Pero aún sin abrazar al cien por cien los postulados demasiado fundamentalistas de este grupo de visionarios, a uno se le hace casi imposible no empatizar con los razonamientos del fundador del proyecto, Jacque Fresco. [protagonista del documental 'Future by Design', de William Gazeckie; ver tráiler].

Fresco es una suerte de Leonardo da Vinci contemporáneo, tecnócrata y anarquista, de profesión diseñador industrial futurista y líder del grupo educativo de expertos que trabaja en un centro de investigación de 85.000 metros cuadrados, localizado en Venus, Florida. Y la verdad es que es una delicia ver a este hombre de 93 años, que vivió las penurias de la Gran Depresión, exponer con una lucidez asombrosa su convencimiento de que otro mundo sin guerras, pobreza, hambre, degradación ambiental o alienamiento humano es posible.

"Al comienzo de la II Guerra Mundial, los Estados Unidos apenas tenía unos 600 aviones de combate de primera clase. Rápidamente superamos este escaso suministro produciendo más de 90 mil aviones por año. La cuestión al comienzo de la II Guerra era: ¿Tenemos los fondos suficientes para producir los insumos requeridos para la guerra? La respesta era No, no teníamos el dinero necesario, ni el oro; pero sí teníamos recursos más que suficientes. Fue la disponibilidad de recursos lo que permitió a Estados Unidos obtener una mayor producción y lograr la eficiencia requerida para ganar la Guerra. Desafortunadamente, a ésto solo se lo considera en tiempos de guerra".

Según Fresco, el mundo es lo suficientemente rico en recursos naturales y energía para que -junto a la teconología moderna y un criterio eficiente de asignación de reursos-, las necesidades de la población mundial pueden suplirse con abundancia. Un postulado que choca radicalmente con la economía monetaria orientada a la escasez que tenemos en la actualidad. Es más, a juicio de este apasionado nonagenario, si el progreso de la tecnología fuera independiente de todo beneficio económico, se lograría que hubiera más recursos disponibles para más gente. Y este nuevo descubrimiento de abundancia de recursos reduciría la tendencia humana hacia la independencia, la corrupción y la codicia, transformando a la gente y haciéndola más dispuesta a la ayuda mutua.

Una visión utópica sí, pero si uno cree que el mayor recurso disponible hoy es el ingenio del hombre, y que el comportamiento humano puede ser modificado para construir en vez de destruir, quizá el viaje a Venus no sea tan imposible como parece.

Ver Zeitgeist Addendum con subtítulos en castellano

*Zeitgeist es un término alemán que se traduce coomo espítitu de un tiempo, de una época; Addendum significa adición en latín.

'Ninportequi' cumple diez años

Entre el maremágnum de vídeos cómicos que inunda Internet, hoy celebramos el aniversario de un verdadero crack de la carcajada, Rémy Gaillard, que comenzó a colgar sus vídeos en la red hace ahora diez años. Nacido en Montpellier y a punto de cumplir los 34 años, Gaillard posee una imaginación desbordante para el humor de situación. Gags inteligentes a lo slapstick y provocación callejera se dan cita en este francés a través de los sketches que postea en su página web, www.ninportequi.com, siempre acompañados por su grito de guerra: C'est en faisant n'importe quoi qu'on devient n'importe qui (algo así como No importa lo que hago, no importa en qué me convierto).



Con un espíritu de sileno burlón, que recuerda a una versión pegada al asfalto del fabuloso Harpo Marx –aunque él nombra a Buster Keaton y Charles Chaplin como sus inspiraciones–, Gaillard puede ser un astronauta saltando a cámara lenta sobre un campo de golf cual supeficie lunar, interpretar a Rocky entrenando en un supermercado, parcticar gimnasia deportiva con el mobiliario urbano, colarse en la tarima de un mitin político o hacerse pasar por jugador en un partido de rugby de la Liga francesa. En el Hexágono todavía se acuerdan de su aparición estelar tras la final del Mundial de 2002, cuando tomó parte en las celebraciones de la selección tricolor e incuso saludó al entonces presidente de la República, Jacques Chirac. Y en España ha salido recientemente en algunos programas de La Sexta.



Aquí teneís algunos de sus vídeos más cachondos. Eso sí, sí se tiene tiempo en medio del tedio laboral, es muy recomendable bucear en su página web o en la selección de sus gags que hay en youtube.